Tom Voyce, un artista insegnante, vive attualmente a Burton on Trent, Staffordshire. ha vinto lo Sky Arts Landscape Artist of the Year. Attualmente sta costruendo un nuovo corpus di opere influenzato dai viaggi in Canada, Stati Uniti, Figi e Nuova Zelanda. Lo abbiamo incontrato per una sessione di domande e risposte all’inizio di questo mese.
- Raccontaci quali artisti hanno influenzato il tuo lavoro e come hai iniziato come artista.
Sono fortemente influenzato dalla pittura americana della metà del XX secolo, in particolare dal lavoro di Richard Diebenkorn e Edward Hopper, quest’ultimo, le cui scene potenti, atmosferiche e cinematografiche hanno risuonato in modo massiccio con me. Il suo lavoro, privo di persone e la forte focalizzazione su luci e ombre, è qualcosa che continuo a tentare di portare nel mio lavoro.
I paesaggi semi-astratti di Richard Dienbenkorns, in particolare il paesaggio urbano di 3 cm, hanno influenzato le mie composizioni e l’uso della pennellata. La stratificazione e l’uso dei bordi provengono da questo artista. Il confine tra astrazione e figurazione è qualcosa in cui è entrato e uscito nel corso della sua carriera e per me esploro sempre anche questo.
- Qual è il tuo mezzo preferito e perché?
Gli oli sono usati su pannelli MDF. Sono stati primerizzati, carteggiati altre quattro volte con gesso. Ciò consente un’applicazione uniforme della vernice, che può essere applicata in modo sottile utilizzando strati.
Quando faccio i pezzi di preparazione disegno usando le matite e un album da disegno, a volte gli acquerelli per le note di colore.
Anche se ho già provato gli acrilici, mi piace molto il modo in cui funzionano gli oli. Posso lavorare su più schede contemporaneamente e poi tornare su di esse in un secondo momento. Essere impegnato con il lavoro significa che a volte non riesco sempre a dedicare troppo tempo alla pittura, quindi poter entrare e uscire è utile per me.
- Hai qualche consiglio o consiglio per gli artisti che stanno cercando di padroneggiare la pittura di paesaggi?
Concentrati sul disegno. Questo è qualcosa di cui non faccio abbastanza, ma mi aiuta davvero quando creo un nuovo dipinto o un nuovo corpo di lavoro. Credo fermamente che bisogna saper disegnare prima, per poi essere pittore. È importante essere in grado di vedere e pianificare correttamente una composizione.
Direi anche che è davvero importante trovare altri artisti il cui lavoro apprezzi e copi i loro stili e tecniche. Guarda il loro lavoro dal vivo per apprezzarne la scala e i dettagli. Tu sei l’artista. Se sei abbastanza paziente da coinvolgere altri artisti, il tuo stile può essere il tuo. Non puoi concentrarti troppo su un artista e finire per sembrare una pessima imitazione.
- Com’è una giornata per un artista professionista?
Bene, sono ancora un insegnante d’arte a tempo pieno, quindi provo a dipingere attorno a questo che è estremamente difficile! Tuttavia, sto facendo il grande passo e presto intraprenderò una serie di residenze qui in Nuova Zelanda. Qui avrò l’esperienza artistica a tempo pieno con un po’ di insegnamento. I miei obiettivi sono di produrre un nuovo corpus di lavori da mostrare, si spera, al mio ritorno la prossima estate.
- Qual è il tuo metodo per iniziare i tuoi dipinti? Hai un metodo prestabilito o la tua tecnica varia da pittura a pittura?
Tendo a lavorare in modo simile su ogni dipinto. Potrei passare un pomeriggio a preparare tavole in MDF da 5 mm. Quindi vengono tagliati in dimensioni diverse (spesso piuttosto piccole ma più grandi). Infine, vengono gessati, levigati e infine dipinti. Quindi li adesco usando il giallo Napoli per iniziare una base chiara. Quindi comincio disegnando sottilmente la composizione usando terra d’ombra bruciata o ocra gialla usando un pennello sottile (dimensione nocciola
Lavorare su più schede contemporaneamente consente lo sviluppo di una relazione tra ciascuna serie. Lavorare in modo sottile consente una cronologia attraverso i segni di sviluppo e le trame. Il lavoro di Diebenkorn è forte perché include una cornice. Questa cornice aiuta con la mia composizione ma è anche un punto di riferimento per la tavolozza dei colori che uso.
- Hai una formazione formale o sei autodidatta?
Il disegno fa parte della mia vita fin dall’infanzia. Ho seguito un corso di base presso il mio college locale e poi ho frequentato la scuola d’arte della Aberystwyth University. Questa era una laurea abbastanza tradizionale in quanto era fortemente incentrata sul disegno dal vero, con moduli in tecniche pittoriche, ritrattistica e paesaggi e incisione. Ho avuto la fortuna di restare e competere in un Master finanziato da un lavoro che avevo come tecnico. Questo è stato un master part-time per due anni, quindi sono stato davvero in grado di concentrarmi sul mio lavoro e sul suo sviluppo. Con l’accesso 24 ore su 24 allo studio e la possibilità di viaggiare all’estero per insegnare all’università, ho potuto iniziare a creare il lavoro che sono orgoglioso di presentare.
- Quanto tempo dedichi a un dipinto di paesaggio medio?/Qual è il tempo più lungo che hai mai dedicato a un dipinto?
È spesso difficile rispondere a questa domanda perché lavoro su più schede contemporaneamente. Gli oli possono essere difficili da completare in una sessione a causa del processo di essiccazione. Direi che in media ogni tavola, a seconda delle dimensioni, potrebbe richiedere 4-6 ore in tutto. Questo potrebbe essere nel corso di giorni, settimane o talvolta mesi. È importante poter fare un passo indietro dalla pittura per pensare al suo processo e sviluppo. Anche se non sono mai soddisfatto, ci deve essere un momento in cui posso fermarmi e lasciarlo andare. Lavorare troppo su un dipinto al punto da renderlo troppo perfetto è una delle mie più grandi paure. Questo può fargli perdere energia, vitalità e vitalità.
È stato l’ultimo pezzo su commissione che ho fatto quando sono tornato dalla Giamaica come artista paesaggista di SkyArts. Questo dipinto mi ha richiesto probabilmente il tempo più lungo per essere completato. Ho avuto quattro settimane per realizzare l’artwork, ed era molto più grande di qualsiasi cosa avessi fatto prima. Ho provato a lavorare su due schede contemporaneamente con composizioni leggermente diverse in modo che potessero rimbalzare l’una sull’altra. Anche se lavoravo a tempo pieno, mi limitavo alle serate lavorative. Cercherei di inserirmi in almeno 3 ore di lavoro a notte. Ad essere onesti, non era il processo più ideale, ma mi ha insegnato molto su me stesso, sulla mia scelta delle immagini e sul fatto che avrei potuto lavorare anche più in grande se lo avessi voluto.
Ovviamente eravamo anche in tempo limitato durante il programma del paesaggista dell’anno. Quattro ore erano il tempo concesso e questo ha funzionato bene per me.
- Di quale tuo dipinto sei più orgoglioso o consideri un particolare preferito?/Quale risultato di cui sei più orgoglioso?
Non sono mai soddisfatto al 100% di un dipinto e posso sempre cogliere i difetti in qualche sua parte. Ho dei preferiti in particolare che cerco sempre in una composizione e se tutti questi sono presenti, tende a rendermi per lo più felice in ciò che produco. Ci sono state delle cose difficili su LAOTY, ma la mia preferita è stata la semifinale con i campi di lavanda. Questo era tutto: prospettiva, struttura e contratti taglienti. Presentava anche splendidi segmenti di paesaggio. Tai Shan Shirenberg, uno dei giudici, mi ha detto che questo era quasi fatto per il mio stile, il che è stato incoraggiante!
Dopo aver visitato la Giamaica, ho prodotto alcuni pezzi. In termini di ciò che vedo come il mio più grande, penso che debba essere il vincitore dell’artista paesaggista dell’anno SkyArts. È stata un’esperienza straordinaria e gratificante che, soprattutto, è stata estremamente divertente! Ho avuto l’opportunità di incontrare molti artisti straordinari e conoscere i loro stili e tecniche. Siamo stati anche sfidati ad adattare i nostri stili a situazioni diverse. Ho scoperto di essere in grado di essere molto più flessibile di quanto pensassi possibile in precedenza, quindi questo mi ha dato molta fiducia in me stesso. Hanno tre giudici famosi, uno dei quali è uno dei miei artisti preferiti di tutti i tempi a Tai. Avere loro giudicare il tuo lavoro ed essere così positivo su di esso è stato fantastico. E da allora ho continuato a mostrare il mio lavoro dappertutto, e ora sta vendendo anche molto bene. Ha aperto molte porte.
- Chi sono alcune delle tue influenze storiche e contemporanee preferite?
Come accennato in precedenza, le mie influenze preferite sono state principalmente la pittura americana della metà del XX secolo: Hopper, Diebenkorn, Rothko, Thiebauld, de Kooning. Gli artisti contemporanei includono Ben Aronson (pittore americano), Tai Shan Shirenberg e June Forster, che erano entrambi i miei ex tutor.
- Quali sono gli elementi della pittura paesaggistica più difficili? Ci sono elementi che ritieni di dover ancora padroneggiare?
Trovo che mantenere un’energia sia una delle parti più importanti della creazione di un dipinto di paesaggio. Trovare ed esplorare il confine tra paesaggio figurativo e astratto è qualcosa che mi piace e miro a fare. È un errore essere troppo figurativi. La pittura di paesaggi è disponibile in molte forme e dimensioni e ho i miei preferiti. Le pennellate sono ciò che dà vita all’energia di cui parlavo. È molto più difficile catturare questa energia quando si utilizzano pennelli più grandi. Quando fai un lavoro più grande, tutto deve diventare più grande, dai pennelli, ai tratti e, naturalmente, alla quantità di vernice utilizzata! È qualcosa che mi piacerebbe fare ad un certo punto.
- Quando dipingi paesaggi preferisci catturare i minimi dettagli o lavorare in modo più astratto?
Astratta senza dubbio. Il mio lavoro è un misto di figurazione paesaggistica e semi-astratto. Per me, mi piace trovare l’essenza di un luogo e l’impronta espressiva degli artisti su un dipinto. Le persone giudicheranno un dipinto in base alla sua relazione con una fotografia se è troppo realistico. La libertà e l’espressione sono importanti per me. Per me questo mostra godimento e licenza artistica.
- Qual è il tuo posto preferito che hai dipinto? Come mai?
Lavorare sul posto in Giamaica è stato fantastico ma caldo! Attualmente sto costruendo un nuovo corpus di opere influenzato dai viaggi in Canada, Stati Uniti, Fiji e Nuova Zelanda, quindi non vedo l’ora di farlo!
Per vedere di più sul lavoro di Tom Voyce, visita il suo tom-voyce.com.
